法国艺术家塞莱斯特·布谢-穆日诺在中国的首次大型个展“生声不息”

法国艺术家塞莱斯特·布谢-穆日诺(Céleste Boursier-Mougenot)在中国的首次大型个展“生声不息”(Sonsara)已于2017年9月1日在上海民生现代美术馆开幕,展览将持续至11月12日。

蓝色水池里漂浮着数个圆润饱满、晶莹剔透的瓷碗,就像一个白斑闪烁的蔚蓝星球。随着池水的循环更迭,瓷碗也在其中兀自旋转,划向未知的方向。这便是艺术家塞莱斯特的作品《趋势》(Clinament)。

1999年,塞莱斯特在保拉·库珀画廊第一次展出了这件声音装置。他用电线圈加热水池,潺潺流水和瓷碗摩擦的声音经由麦克风放大后,在展览空间内创造出一个流动与静止共存、人工与自然交汇的生态系统。

塞莱斯特创造了一种非传统的艺术体验方式。观众从进入场馆的那一刻起,便成为了他作品的一部分。在封闭的空间内,每个人的呼吸声与走动声都和装置的声响交织在一起,这样的互动仿佛就是人类与非人类之间关系的缩影。

在2015年威尼斯双年展上,塞莱斯特将法国馆仿造成了一座意大利风格的花园。在电流的控制下,一棵大树在场馆内缓缓移动。电流的嗞嗞声和大树移动的声音同样也被麦克风放大,回响在拱形的场馆空间里。他通过这样的形式邀请观众作短暂停留,在仿造的生态空间里放松、沉思,并与他者和谐共处。

声音是塞莱斯特作品的核心,但他的创作并不局限于对声音的调用。2015年,他曾在作品《潮汛》(Acquaalta)中模仿威尼斯礁湖一年一度的潮汛,把巴黎东京宫展厅注满水,变成可以划船的湖面。观众划着船在黑暗中行进,于现实和想象交汇的梦境中穿梭。

在他的作品里,视觉、触觉常常与听觉互相交织。他注重的并不是让观众简单地聆听,而是使观众通过对装置的体验把注意力专注在此时此地,感受“被延长的此刻”。

1961年,塞莱斯特出生在法国南部的城市尼斯。长大后,他开始学习演奏萨克斯和小提琴,但同时他也意识到,自己不会成为一个好的演奏家。从法国尼斯国立音乐学院毕业后,他便将自己的音乐推向了实验领域,并从90年代早期开始尝试声音装置的创作。

同声音艺术的开创者约翰·凯奇一样,塞莱斯特认为一切都可以是音乐,“引擎的噪音也是音乐”。他曾在书中读到这样一句话:“所有真正影响了一个时代的音乐家,在当时都曾备受质疑。”塞莱斯特对此深以为然。

他相信,声音是一种最能让人直观地体验无形、感知抽象的媒介,而日常生活中的声音承载着无限的潜力。

正统音乐都很难避免在附庸风雅的文化中成为一种教条式的存在,但塞莱斯特一直在尝试让人们去检视日常生活中常见的地点和场景,从而发现其中的音乐潜力。这样的体验并不能被文字和图像记录所穷尽,观众必须身临其境地去澄怀关照,才能真正感受到声音的魅力。

展览“生声不息”一共呈现了六件塞莱斯特的大型声音装置。与他往常的展览类似,此次展览仍通过声音、视频、色彩和展览空间的交互作用,引导观众在拟像与实体、真实及虚拟的场景中自由感悟。

在他此次带来的作品《此地入耳》中,鸟儿张开翅膀,轻盈落脚在吉他弦上,弹奏出一曲曲美妙而没有“蓄谋”过的音乐。帘幕将不同的展区隔开,为鸟儿创造了一片自由栖息的园林。从穿过帘幕的那一刻起,观众就变成了来访的客人。他们由铺满沙砾的地板指引着,按照既定的路线参观。

塞莱斯特说:“我始终相信,我们在这里不只是观赏鸟在场地中飞来飞去。而是能感受到,这是属于它们的地方,而人们是作为客人受邀来到这的。”

通过他的作品,塞莱斯特给观众提供了一次“做客”的机会。他构建了一个生态世界,让人们去想象“人类之后的世界”。但他并非是要单纯地去讨论非人的生命存在,而是把人类重新拉回至万物之中,去理解自然的概念,并思考如何与人工化的自然共存。

塞莱斯特:这是一个合成词。“son”在法语里指声音,“samsara”是指轮回。塞莱斯特希望观众能在这个封闭的场馆内,通过声音的回响感受到细微事物的妙处。而另一方面,这个展览呈现的也是不断完善自己的创作的过程。这些年来,塞莱斯特一直在思考如何去改善每个装置以达到更好的效果。但同时,他也没有抛弃掉过去的东西,观众能够通过作品现在的样子感知到过去,这也是一种循环往复。

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